以水墨丹青为主要表现形式的中国画，和以油画为主要画种的西洋画，它们之间的不同之处，恐怕是显而易见的，最起码，国画一般都是用水墨颜料，画在宣纸上的，而油画呢，则是用油质的颜料，画在画布画板上的。不过，这些仅仅只是中国画和西洋画最表面，最容易为人所注意到的区别，在彩色的图画或者是黑白的晕染之下，中国画和西洋画，还有很多更深层次的不同之处，等待着我们去将它们一一发掘出来。
　　 其实，除了绘画的材料和工具不同以外，中国画和西洋画，在绘画技巧等各种方面，都有着很明显的差异。其中有一点，恐怕是很容易就可以发现的，那就是，西洋画大多使用大块的色彩，使得画布上呈现出色彩纷呈，缤纷夺目的图案，而中国画，更多选用线条和墨色来绘画。当然，在中国画中，也有色彩，比如有一种青绿山水画，便是使用了大量的石青、石绿等绿色颜料，不过，即使如此，在青绿山水中，也有一种画法，叫做小青绿，就是必须要在水墨淡彩的基础上再着色的。所以说，不管怎样，线条和墨色，在中国画中所占的比重，那是相当之重的。
　　 中国人写文章，讲究的是“文以载道”，同样道理，画画也是如此，中国人画画，不是光光为了画而画，必须有意境在其中，所以，不是光光画得像，就能够过关的，更重要的是要体现所画事物的立意。就好像张彦远在《历代名画录》中所说的那样：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似，皆本于立意而归乎用笔。”所以说，光光画出了事物的形态是不够的，还要画出其内在的意蕴，而线条和墨色，则恰恰就是一种能够浸润画家思想感情，体现画家生命精神的表意形式。
　　 试想一下，当一个画家兴味所致的时候，即席挥毫，泼洒墨色，这是一种何等豪放的感觉啊，才情涌上来的时候，挡也挡不住，这时候，就很难再计较所画事物的细部了，只有用线条和墨色，随意挥洒，方能够将胸中豪气释放出来。或许，这样画出来的画，自然是更注重神似而非形似了。
　　 笔墨之道，在中国传统绘画中的重要性，往往被人们抬得很高，比如北宋时候的韩拙，就曾经强调过其重要性：“笔以立其形质，墨以分其阴阳，山水悉从笔墨而成。”中国画注重线条勾画，在谢赫的“六法”中，将“骨法用笔”列为第二，可见其认为笔墨之道是十分重要的，无论是钩、勒、皴、点等勾勒线条的笔法，还是烘、染、破、积等渲染墨色的墨法，在中国传统绘画的技法中，都是十分要紧的，不管是人物山水，还是花鸟鱼虫，都少不了使用线条和墨色。
　　 不过，西洋绘画就不太一样了，在西洋画中，尤其是在油画中，大量的墨色，都是通过一层层地涂抹，堆叠上去的，所以，在西洋画中，线条便不是那么重要了，取而代之的，是对于明暗和色彩的把握。西洋绘画，讲究逼真，所见即所画，他们看见了什么，就尽量真实地将其再现出来。
　　 当我们看一个物体的时候，光线是十分重要的，如果没有光线，我们便什么都看不见了，如果光线的强弱和照射的角度不同，我们的视觉感受，也是不同的。西洋画，就是要将这种细腻的感觉，全部用画笔，呈现在纸上。在小学的课本中，我们就学过一篇课文，讲述的是达芬奇画鸡蛋的故事，或许，实际上，达芬奇并不是对着一个一模一样的鸡蛋，画了一遍又一遍，那样做，其实一点意思都没有。他一定是根据照射光线的不同，画出了鸡蛋在不同时间段所呈现出来的样子，正是因为这种锲而不舍的练习，才使得他对明暗有了一种特殊的把握，并使得他在后来能够画出那富有神秘微笑的《蒙娜丽莎》。
　　 据说，达芬奇在详细地研究了不同光线下物体的明暗变化后，探索出了“晕染法”，而《蒙娜丽莎》就是他运用“晕染法”来完成的。达芬奇正是通过微妙的明暗变化，真实而又艺术地表现出一个神情优雅的少妇形象。要知道，物体的形状不同，接受和反射光线也是不同的，所以，便形成了不同的明暗变化，正是这种明暗变化，客观地反映出了物象的空间形体。
　　 西方人喜欢通过缤纷的色彩来描绘世界，一块调色板上，所调出的颜色，岂止只有赤橙黄绿青蓝紫这七种啊，应该说，是五彩缤纷的啊。可是，中国人就不一样了，中国人只钟爱墨色一种，清代画家布颜图曾经说：“墨之为用其神矣乎，画家能夺造物变化之机者，只此六彩耳。”他认为，墨色能分出黑、白、浓、淡、干、湿六彩，就这六种变化，就足以表现大自然的万物了。
　　 中国画的墨化六彩，和西洋画的五彩缤纷，究竟孰高孰低，这自然是很难说清楚的，只能说，是各有巧妙不同，各有所钟吧。
　　
　　 很多人喜欢西洋画，尤其是西洋油画，主要就是因为它画得像，到了几可乱真的地步，这除了因为西洋画善用五彩以外，还和它的一种特殊技法，透视技术，是分不开的。
　　 说实在的，世人只知道西洋画重视透视，却未必知道，其实，中国画中，也有类似的思想呢。中国古代曾经有一个名叫宗炳的画家，在创作山水画的时候，发现了有关透视的问题，他在《画山水序》中指出：“昆仑山之大，瞳孔之小，迫目以寸，则其形莫睹，迥以数里，则可围以寸眸，诚由去之稍阔，则其见弥小。今张绡素以远映，则昆仑之形可围于方寸之内，竖划三寸，当千仞之高；横墨数尺，体百里之迥。”这段话听起来很玄妙，但是，说白了，却可以用四个字来概括，那就是“近大远小”，其实，这就是最基础、最简单的透视关系了。在现代人看来，这似乎是很寻常、再简单不过的道理了，可是，说这段话的，毕竟是古人啊，那还是很不容易的。
　　 除了宗炳以外，北宋的画家郭熙还在《山水训》中总结出了一套山水透视与构图法则，名曰：“三远法”，这种理论说明了：“自山下而仰山颠，谓之高远；自山前而窥山后，谓之深远；自近山而望远山，谓之平远。”
　　 只可惜，这种理论说起来容易，要真正运用的话，却很不容易呢。就拿“自山下而仰山颠”这一点来说吧，如果是一幢摩天大楼，按照西洋画透视原理来画的话，从下向上仰视，可以通过将大厦画成等腰三角形的办法，来达到透视的效果。可是，在中国山水画中，画山的时候，那山本来就是上小下大的啊，你再怎么透视变形，还是差别不大，这样又如何能够画出山的高耸呢。所以说，郭熙虽然提出了这种观点，但是，要真的在笔下实现，还是很麻烦的。
　　 更何况，中国人画画，崇尚的是意象，崇尚的是唯美，若画亭台楼阁，则必画其金碧辉煌的屋顶，若是采用仰视法，就只能画屋檐，不能画屋顶。为了追求画作的唯美，绝大多数的中国画画家，实际上还是自觉舍弃了使用透视法。
　　 和中国画相比，西方传统绘画对于透视的研究，可就要透彻多了，他们以焦点透视为基础形成了一整套的透视体系，中国画虽然也有透视思想，但是，那只能算是雏形，而西洋画，却是将透视研究透了，空气透视、色彩透视、光影透视，各种各样的透视理论联系在一起，在画布上，给欣赏者展现了一个真实的世界。
　　 西洋画之所以看起来更为逼真，透视法在其中起了狠关键的作用，不过，世人一般都知道西洋油画的特色就是画得像，画得惟妙惟肖，画得以假乱真，可是，这一点真的是如此容易就能够做到的吗？在西洋画中，也有很多画，是宗教题材的，就好像中国人在画佛教壁画的时候，其实谁都没有真的见过佛陀一样，西方人在画耶稣基督、圣母玛利亚等神祇的时候，他们也并没有真的见过这些神仙。可是，虽然没有见过这些神灵，与之长得很像的人类，总是都见过的吧，所以说，西洋画其实也并不是百分之百地还原现实生活中的真实，这其中，也有创作者的联想。
　　 更何况，当我们在画一棵树的时候，根本不可能将树上的每一片叶子都画下来，同样，达芬奇在画蒙娜丽莎的时候，也不可能真的去数一下蒙娜丽莎究竟有多少根头发，然后把它们一根一根地画下来。所以说，西洋画的逼真，也仅仅是近似于真实，而并非百分之百等于真实。
　　 西洋绘画中的摹仿，自然不是按照原先的比例来摹仿，而是按照一定的比例缩小后，再来摹仿。如何使得缩小比例后的物体和原本的物体更为近似，这恰恰就是透视法所主要研究的内容，这种揭示了人们眼睛是如何按照一定比例，来缩小真实空间物象的视觉原理，被达芬奇称之为“缩形透视”。
　　
　　 当然，说西洋画画得逼真，并不是说，中国画就一定画得不像，毕竟，虽然中国画崇尚的是传神，只要能够画出事物的神韵即可，形象可以夸张，甚至可以变形，但是，不管如何夸张变形，至少，还是应该能够让人看出画的究竟是什么的，若是“画虎不成反类犬”，这一样还是会遭到方家的笑话的啊。在《韩非子》中，有这么一句话，叫做“画鬼魅易，画犬马难”，这说明，中国传统绘画虽然允许夸张和变形，但是，对于那些具体的、可以被感知的形象，还是必须以现实中的事物作为参照物的，绝对不能够胡乱想象，如果画犬马而不像犬马，那就比较麻烦了。所以，韩非子才会说，画鬼神容易，画犬马难，因为，没有人见过鬼神，可以任意想象，而所有人都见过犬马，绝对不能画得过于夸张。
　　 其实，在中国画中，也有很多写实的作品啊，但是，和西洋画一比较，我们就会发现，中国画的写实，是理想化的写实，而并非完全照着物象描绘，在绘画中，包含了很多美化的成分，不管画的是人物、山水还是花鸟，哪怕是那种以画工细腻逼真著称的工笔画，其实，在真实的现实生活中，还是很难找到和所画内容一模一样的原型的。中国画的逼真，是源于生活而高于生活的。
　　 中国人喜欢说“江山如画”，但是却从来都不说“画如江山”，这就说明，中国人认为画出来的山水，比真实的山水更美，画出来的山水，是理想化的山水。我们在自然界中，根本就找不到如宋代山水画中那种造型皴法完美的山石，因为画中的山石，是经过理想化加工的。同样，在张择端的《清明上河图》中所描写的全部场景，也并非就真的能够在现实生活中找到有某一日，某一个时辰，和画中的内容是一模一样的，画家所画的，只是他想象中的市井。
　　 如此看来，中国人并非不崇尚真实，而应该说，中国人崇尚的是一种精神层面的真实，是一种内在神韵的真实，而并非是拘泥于客观的外在表象的。
　　 和中国画相反的是，西洋传统绘画从一开始就追求客观，追求真实地表现出现实生活。不管是古希腊时候的摹仿说，还是文艺复兴时期的镜子论，甚至是巴洛克绘画中所提倡的营造视觉真实空间，就算是到了现实主义画派和印象主义画派，不管画家们画出来的东西究竟是什么样子的，所有的一切，都没有超越西洋传统绘画的本质思想，那就是，探索客观现实，并且真实地再现视觉所看到的一切事物。
　　
　　 我时常会想这样的一个问题，同样都是画画，大家都一样是观察现实生活中的某个空间，然后，再将这个空间中的事物，画到画纸上去，可是，为什么中国画和西洋画，给人的感觉，却是如此不同呢？这个问题说起来匪夷所思，可是，仔细想想的话，倒也不难想通。要知道，自然空间是真实的空间，而绘画空间则是虚幻的空间；自然空间是无形的、三维的，可是，绘画空间却是二维的平面，既然如此，人们当然不可能将现实中的空间原封不动地搬到画纸上去，必然会有所变形的。中国画和西洋画的观察事物的方式不同，那么，所画出来的东西，自然就会看起来不同了。
　　 对于中国人来说，人们不喜欢站在一个固定的地方观察事物，而是喜欢打破场所地域的限制，在多个角度观察，然后，在绘画的时候，将所看到的东西整合起来，统一呈现在画面上。比如，画家要画《韩熙载夜宴图》的时候，不是仅仅就画韩熙载在某一天某一个时辰的动作，而是将听乐、观舞、歇息、清吹、散宴等五个不同时间段的场景一起画出来，而这些生活片段之间，是明显有时间差的。
　　 画人物是这样，画山水也是这样，很多中国画家，都画过类似千里江川图之类的画，千万里的山河，就这样展现在同一幅长卷中。对于西洋画家来说，恐怕是很难做到这一点的，因为，站在一个地方，是不可能将千里的江川全都收于眼底的。可是，中国的画家，却能够轻而易举地做到这一点，因为，他们是使用流动的视点来观察事物的，他们可以在不同的时间段，分别观察不同的事物，然后，将它们整合在一起。正如潘天寿所言，这种流动的视点就像画家生了两个翅翼游动于山川河流之上，做缓缓飞行，用一面看一面画的方法，将万里河山收于一幅画面。这就是中国画的独特空间观，一种将时间加入其中的空间观。
　　 西方传统绘画则不然，早在古希腊时期，人们就对于数学、物理这些东西很有研究，尤其是欧几里德的空间观念，对于西方绘画的影响是十分巨大的，他们习惯于理性地，在一个静止的点上观察事物，但是，他们却抛弃了时间。
　　 这就是中国画和西洋画的诸多不同之处，中国画重线条和墨色，西洋画重色块和透视；中国画追求理想化的真实，西洋画追求现实中的真实；中国画以流动的视点来观察事物，西洋画以静止的视点来关注空间……这种种不同之处，使得中国画和西洋画，看上去如此不同。
　　 不过，时代在发展，现如今的画家们，已经不再囿于绘画的派别，中国画中可以使用西洋画特有的技巧，而西洋画，也可以赋予中国画的特色。本来就是如此，艺术是不分国界的，只有海纳百川，博采众长，才能够取得进步。不管是在五彩缤纷的色块中，还是在黑黑白白的线条中，我们都能够看见同样的一样东西，那就是，画家们正竭尽所能，用画笔，为人们展现一个完美的图画世界，或许，这才是绘画的真谛，这才是画家的精神。