一、朱新昌的绘画艺术
　　 中国绘画自隋唐以来，大致分出了两大笔墨形式，一路偏重于富丽的工笔，一路更注重写意的情趣。其后的宋院体、文人画基本上是两者的衍生和发展。至近代，写意一路有了迅猛的发展，而工笔一路渐呈式微之势。进入当代，从事工笔创作而又成就斐然者，可谓寥若晨星。尤其是工笔人物画创作，受造型所羁，更属偏难题材。上海中国画院画师朱新昌，多年从事此类创作，是这个领域显而易见的佼佼者。
　　 和上海大多数人物画家一样，朱新昌的绘画也以连环画为起始，练就了扎实的写实造型能力。他自30岁以来，作品连续入选六至十一届全国美展及各类展出，并频频获奖。可贵的是，平素敦厚温和的朱新昌，在艺术上却不是一位“守成”型的画家。他近年来的一系列作品，兼蓄多种绘画元素，大胆创新，勇于尝试，臻入佳境。《家园》《二月里来》《步行街》《阳光的早晨》等巨制，不仅从题材上贴近历史主题和当代生活，而且在艺术表现上充分借助了西方的空间处理和平面构成等手段，显示出极富现代感的形式。同色调和意象的错位运用非但使画面繁而不乱，且极富层次感地融入在和谐统一的整体经营之中；《中国红》《祥音》《无风》《行》《晨》《纸鸟》等作品，借鉴了民间艺术的诸多元素，隐约涵盖了剪纸、皮影、戏曲、帛画、图案、岩画等，透露出作者涉猎的广泛、视野的开阔和别出心裁的巧思；在《空间》系列中，几何式框架的嵌入使表面的分割、失衡归位于整体布局的平衡，虚拟的空间构造和强烈的装饰感更顺从于笔墨语言的多维需求。他所描绘的现代女性形象，既富时尚感，又有着悱恻婉约、如梦似幻的古典韵致；《深秋》《沃土》《韵》等作品，像一场视觉的盛宴，颇有唐人壁画般的绚丽恢弘的气势，也体现出其对大制作具有出色的统筹能力；而《古意人物》系列及被其称为“闲画”的一些小尺幅作品，更尚写意格致和文人意趣，灵动的线条、恰当的变形和淡雅的施彩，可看作朱新昌的砚边余墨、散逸小品，是冲淡朴茂的笔墨诗性和文气的流露。
　　 朱新昌的绘画，顺应了当代化、多元化的审美需求，突破了传统工笔人物画的既有形式，丰富了其表现力，自成丰盈完足的个性架构。对工笔样式如何出新提供了有益的借鉴。虽然他的画汲取了很多西方的艺术理念和表现手法，却不失中国画的基本要素和内在的笔墨逻辑。明吴中画家杜琼认为，所谓丹青三昧，并不在于笔墨本身，而在于笔墨内涵与物象的彼此冲融。作为技法要素的笔墨、线条、敷色等手段必须以进入“造型”、服务“内容”才能成立，否则与“墨戏”何异？对此，朱新昌有着一贯的、清醒的认识。他曾撰文表示：“技法、笔墨不应该成为刻板的教条似的东西，而应该是创作者在表现过程中受情绪和认识支配所采取的一种手段”。通读他的画，从未发现那种率性、狂肆的涂鸦。我想，这缘于他对艺术的严谨和与己合一的画品。
　　 朱新昌毕业于上海师范大学美术系，结业于上海中国画院首届高研班，后以突出的实力被吸纳为画院的专职画家。他目前还负责上海中国画院教研方面的工作，悉心培养一批更年轻的画家。作为当代优秀工笔人物画家的他，从容淡定，神驰心越，频出斑斓新奇的画境。就像他最新出版的画册里的一张照片：站在画室的窗前，微微地抬头、静静地遥望着那一片澄澈的蓝天。
　　
　　 二、洪健的“老建筑画”
　　 传统文人画所追求的“畅神”、“性情”界定了其独特的文化品性。在文人画家看来，“澄怀坐忘”、“自适逍遥”、“放逸盈足”是通达“修身”的必然途径。这和儒家“志道游艺”的主张一脉相承。然而，当代绘画所依托的时代背景已大不相同，新的审美体系和品评体系也必然在艰苦曲折的探索中得以催生。笔墨语言和当代境遇如何构成新的传切?传统范式如何融入新的创造？在这些问题上，一批有才华的年轻艺术家显然具有更高的敏感性。并且，他们正试图作出自己的个性传达，洪健就是其中较突出的一位。
　　 最初我关注到的是他的一些工笔花鸟和人物作品，在笔墨、构图和技法上都很到位，新的表现手法也被其熟稔地运用，使画面传递出精致华美的视觉效应。如果他这么一路画下去，必然会成为通常意义上的“优秀工笔花鸟画家”。但徜如此，我们却也难以把他和诸多工笔好手加以不同层面的区分。好在洪健属于有个性的一类画家，花鸟、静物“小情小景”式的审美格局已难以承载他内心的艺术架构和精神体量，于是，近年来，我们欣喜地读到了他的一系列以都市老建筑为题材的作品。
　　 这些作品，出现在城市化进程日新月异的今天，更具有钩沉历史遗存、观照当下生态和梳理文化脉络的独特意味。也抽离了传统笔墨语言对城市题材长期的半推拒状态，弥补了其话语缺失。是当代视角切入城市命题、而以“上海”作为特定背景所展开的艺术探索和有益尝试。它既非花鸟、山水和人物，亦非宋朝郭忠恕式的传统“界画”的再现，让极尽工细的崇楼广殿置身于山水的怀抱之中。从横向的参照看，洪健的作品，又从以“城市”为题材的诸多表象化摹写中脱颖而出，更具表现力、主体意识及人文意蕴。其实，这是画家洪健的一次“突围”之旅，渗入了其个人苦思、自我扬弃和话语重构。
　　 说到洪健，则必须提及他的代表作、获得第五届上海美术大展一等奖及十一届全国美展银奖的《洋务遗存——上海百年水厂》。宽幅的通屏形制和占据画幅上半部的计白当黑式的空间处理，凸显了历史背景的宏大叙事性；斑驳错落的哥特式建筑在光感透视作用下，既能从中窥见洪健严谨写实的精湛技法，也显示出他借鉴西画表现手段，赋予此画质感、厚度及雕塑感的一次成功的创作。以静穆的风格和无语的凝视，折射出洋务运动以来中国现代化进程所经历的曲折道路和百年变迁，完成了对历史片段和城市心灵史的图像升华。其磅礴的“气场”，大有使人沉浸其中、抚纸兴叹之感。他的其它老建筑题材作品，令观者各有所思，或感沧桑物移，或致缅想留连，恰如康德所言:“审美判断其实是一种情感判断”，但这种“情感”并非建立在怅然的怀旧和哀怨的基调中，而是对城市记忆的“唤起”，传递它所发散的历史体温，并“融入”到城市的当代语境中。
　　 洪健毕业于上海大学美术学院，目前供职于上海中国画院，是其青年艺术家沙龙成员。他的这些作品样式新颖，内涵丰富。从社会史的角度而言，画家本身就属提供感官资源、记忆资源和阐释资源的重要媒介。在传统的规范于多层面继续表现出强势、致使画家创造新的视觉语言和施展才能的空间被极度压缩的当今，洪健的都市老建筑题材创作，无疑会引领观者进入新的审美界域。
　　
　　 三、丁筱芳的水墨艺术
　　 曾记得多年前首次与上海中国画院画师丁筱芳作品的邂逅，心底里引起的是一声暗暗的惊叹！那古雅简淡、通透细腻、精致唯美的画面和气息，分明格调不俗，富有新意。我当即收藏了此件作品，而后，对其作品的收藏竟持续至今。每每把玩欣赏，顿生陶然忘饥之感。
　　 于是，对于丁筱芳及其作品的关注，便演变为我的一种探究心理。
　　 他出道很早，早在上世纪70年代、他20岁那年即有佳作入选重要画展，以后，几乎逐年参加全国及市级美展，并屡次获奖。2001年毕业于上海大学美术学院中国画研究生班；2002年结业于上海中国画院首届中国画高研班。成为专业画家后，画艺日益精进，风格逐步形成，创作愈见成熟，成为当今中国画坛令人瞩目的优秀人物画家之一。
　　 他的创作题材主要分为三类：一是揉入了当代艺术元素和审美理念的大型主题创作，《军号嘹亮》《前进，前进，进》《岁月的旋律》《二泉映月》《星约之队》等巨幅作品，以传统笔墨、形制融入平面构成、装饰性、夸张变形、时空错位等手法，切入了现代语境，打破了图式化传统，使作品更富有历史的纵深感、立体的雕塑感、笔墨的张力感和精神的崇高感；二是反映西藏题材的《祥云系列》及别出心裁的《空间系列》，包括前卫意识凸显的《抽象系列》等类型作品，重墨轻色，巧写象成，“用情笔墨之中，放情笔墨之外”，可谓工夫既久，气息现出。难得的是部分作品虽有实验性质，却是严肃认真的创作，放逸洒脱而不疏狂；大胆尝试却不乖张，画境使观者产生某种紧张感并打通了联想空间。这部分作品是他的探索意识和突破意识的有力彰显，和当下有些标新立异、打着“反叛旗号”，却底蕴苍白的“制作画”“藏拙画”可谓泾渭分明，当可立判高下。
　　 令众多收藏者偏爱的是他的古代高士、仕女题材的系列作品，更富文人画气息和笔墨情调，诗意氤氲，却蕴含绚烂；古意盎然，却新颖别致。唐人画论云：“象人之美，张（僧繇）得其肉，陆（探微）得其骨，顾（恺之）得其神，神妙无方，以顾为最”，可见神韵为第一画品。众所周知，以线描勾填、造型为主的人物画，代有才人，但奇崛甚难，传神甚难。筱芳也画过连环画，有着较扎实的造型功底，加上他十分注重写生速写，但在不少画过连环画的人物画家那里，此种优势却容易转化为劣势，若无笔墨气韵，文学修养，则画面了无生气，势必沦为匠气、俗气，筱芳却几乎从一开始即跳出藩篱，笔底流淌出的是幽幽的清气、淡淡的静气、绵绵的才气，做到这一点殊属不易，不是刻苦用功就能得之的，实和秉赋气质、自身修养和美学观念有关。筱芳的古代仕女画，在人物线条、树石技法及章法意境营造上，富有独创性和艺术表现力，所作仕女，实为此类题材作品中不可多得之逸品。
　　 近闻筱芳将多年辛勤创作的结晶编成《丁筱芳水墨艺术》画集，交付出版。国画大师陈佩秋亲题书名，著名画家施大畏、韩硕等作序，实为画坛之幸事，也是全面了解丁筱芳水墨艺术的一扇窗口。在画家队伍中，筱芳正值盛年，才华横溢，他注定是一位不平凡的画家，并且迎来了他新的艺术高峰!