一、欣赏“中国画”入门 
　　 欣赏中国画不仅是一种高雅的情神享受，也是一门学问。欣赏中国画既能使自己“赏心悦目、心旷神怡”，也能够从绘画作品中掌握到丰富的知识。欣赏中国画一定要培养好自己的审美情趣和加深对中国画艺术特征的了解，这一切并非是一朝一夕就能获得而知的。本文对读者所起到的作用仅仅是抛砖引玉而已。总之，只要多去用心品味和钻研中国画，相信每位读者都能会提高自己欣赏中国画的品位水平。但愿此文能为每位读者打开欣赏中国画之门。
　　 我们知道，在绘画艺术当中，对任何一种画种的命名一般都是以该画种所用材料而确定的。中国画（也简称国画）的命名也是如此。中国画是以中国特制的毛笔、墨、国画颜色在宣纸和绢、绫上所绘制的一种艺术表现形式。诚然，对于中国画的命名至今在艺术界还尚存异议，因为这一命名显然还具有一定的狭隘和局限性。中国画的这一画法在东南亚及日本、朝鲜、韩国等地也较盛行，但将这种画法统称为“中国画”难免会产生歧义。所以，中国画的画法在国际上一般又被称作“水墨画”。然而这种一命名也不规范，因为中国画在表现手法上并非都以水墨为主。如果仅限于水墨画技法，那么中国的工笔重彩画在国际上又该属于哪类画种呢？中国画这一画种究竟如何命名，我们在此暂且不去考究，因为本文目的是在于引导人们如何去欣赏中国画这一画种，故在此只能顺其自然称之为中国画了。
　　 欣赏中国画首先必须得要了解和掌握一些有关绘制中国画方面的材料和用具等方面的基本知识。因此，笔者先从以下几方面简单介绍一些有关知识，以便帮助读者较好地欣赏中国画。
　　 纸、毛笔、墨和砚被称为“文房四宝”，也是绘制中国画的主要材料和用具。
　　 中国画所用的纸为“宣纸”（分生、熟两种纸），它主要产自于我国安徽宣城一带，故被称为宣纸。上好的宣纸质材优良，作工讲究，用它作画有千年不变色之优点。中国画通常分为写意和工笔两大种类。写意画多半使用生宣纸作画；工笔画则一般使用熟宣纸绘制。除宣纸外绢、绫也能作画，但用其作写意画比生宣纸效果欠佳。
　　 毛笔是中国画的主要绘画工具。毛笔分为软、硬毫两种。软毫适合渲染着色；硬毫通常用于勾线。毛笔的软、硬程度对绘画书法的表现效果相当重要，也因个人的喜好而择用。
　　 墨一般分为“油烟”和“松烟”两类。安徽徽州一带盛产墨，被称为“徽墨”。古时人们对墨较为讲究，故画家在作画时多半自己研磨。过夜的墨称为“宿墨”一般不用来作画，但现代山水画大师黄宾虹却擅长宿墨作画，效果独特。
　　 砚不仅能研墨而且也是精美的工艺品，历来为书画家、墨客所喜爱。我国素有“四大名砚”之说，这四大名砚是广东肇庆的“端砚”、安徽歙县的“歙砚”、甘肃卓尼县的“洮砚”和山西的“澄泥砚”。
　　 除“文房四宝”外，中国画的绘画材料还包含有颜料和印泥两项。
　　 中国画颜料又分为“植物质”和“矿物质”，在着色时会产生不同效果。如植物质中的花青、滕黄、胭脂、牡丹红等颜料比较透明、质细，上色后时间一久往往会褪色，但另一种矿物质的朱砂、朱漂、头青、头绿和三绿、赭石、石黄、白粉等颜料不透明，覆盖力强，上色后年久不易褪色。
　　 印泥是中国画中必不可少的钤印物品，分为朱砂、朱膘、广嫖等类。有必要说明地是：一般篆刻钤印或书画用的印泥和一般文具店所售之绝非同类。文具店所售印泥因其质粗，油重，色浮，只能作为办公钤印用途，而书画作品必须选用色彩鲜明、细腻，沉着好的印泥。福建漳州“丽华斋”、杭州“西泠印社”、常州“璟玉堂”合称为“中国三大印社”，此三处所产印泥均为佳品都可使用。
　　 当然，除了对中国画材料用具了解外，读者还得对中国画的装裱形式有所了解。无论是用宣纸或是在绢布上绘画完毕作品都须将其进行托裱，而托裱后的作品按其尺寸和样式被称作“中堂”、“横披”、“扇面”、“镜片”、“屏条”、“册页”和“手卷”。中堂、横披和屏条三类作品便于悬挂，适合展览作品。扇面和镜片多半用镜框装璜，作为家庭居室的点缀和美化，而册页和手卷便于收藏。
　　
　　 二、中国画题材与技法刍议 
　　 中国画如果以题材划分，总体上可分为山水、花鸟（含走兽）和人物三大类。
　　 仁者乐山，智者乐水。山水画创作历来在中国画具有重要地位。可以这样说：看不懂山水画就欣赏不了中国画。西方画家画风景时采用的是“焦点透视”法，而中国传统的山水画采取的是“散点透视”画法，这如同行时走看景，既广阔又生动，有“咫尺之图，写千里之景”之视觉效果。
　　 中国山水画极为讲究构图规律，早在北宋期间画家郭熙在《林泉高致》中针对山水构图就提出了“三远”之说，即“自山下而仰山巅，谓之高远；自山前而窥山后谓之深远；自近山而望远山谓之平远”。北宋画家范宽所作的《溪山行旅图》就是“高远”构图法。现代绘画大师李可染先生所作的《清漓风光图》是“深远”构图法。傅抱石、关山月二位先生合作的巨幅山水画《江山如此多娇》为“平远”构图法。中国山水画的画法极多，有“金碧山水”、“大小青绿山水”、“浅绛山水”、“半设色山水”和“泼墨泼彩山水”等。值得一提地是东北当代画家于志学先生创造了“冰雪山水”一画法，丰富了中国山水画技法的内容。另外，我们不能忽视对中国画“界画”的欣赏。所谓“界画”是指在绘画中用界尺（直尺）划线，故称其为“界画”。这种画以表现宫殿楼阁为内容，绘制精致工整。清代画家袁江、袁耀均为界画高手。
　　 中国的花鸟画起源于南北朝至唐代才形成单独画种，分为工笔和写意两大类。由于宋代期间当权统治者的爱好和提倡，此时工笔花鸟画创作达到了鼎盛时期。南唐至宋代花鸟画基本上已形成了两大画派，即画史上称之为“徐、黄二体”，并有“黄家富贵、徐熙野逸”之说法。黄筌为宋代画院画家，他作画先以墨线勾出轮廓然后填加色彩，这种画法为“勾勒法”，也即如今作画时采用的“勾线填色法”。由于黄筌作画一贯以富丽工整为特征，故被人称为“富贵”。徐熙作画注重对花卉植物形态的观察，先以墨写枝叶而后着色，形成一种自然质朴的风格，故被人称为“野逸”。宋代时期“文人画”开始出现，这种画多半以竹、松、梅、菊为题材和以笔墨趣味为主，主张“神似”，张扬仕气。“文人画”发展到元、明、清期间已成了中国花鸟画的主流，对后世写意花鸟画有一定的影响。
　　 中国写意花鸟画注重“笔墨”表现，因而有“有笔有墨谓之画”一说。无笔无墨的画当然不是好的花鸟画；有笔无墨或是无笔有墨的画也不定就是佳作。评价画家的用笔主要是看他画中的线条是否刚劲、有力，在运笔时轻、重、提、顿是否有变化，在用墨方面是否自然流畅、气韵生动。此外，欣赏中国写意花鸟画还要注重揣摩画家对画面的空白处理。空白如果没处理好，整幅画就会缺乏“空灵”之气。
　　 现代绘画大师齐白石《墨虾图》这幅作品在墨的运用和画面空白处理十分恰当。齐白石在这一幅画中，巧妙运用墨的深浅变化描绘出虾体的质感，并用焦墨线条勾勒出虾须附肢和用浓墨点晴。墨、线、点的结合恰到好处，既生动又形象。画面四周留白不画水但令人感到虾在水中的动感。这幅画笔墨淋漓、韵味无穷，较好地表现了笔墨运用和空白处理的艺术效果。
　　 人物画是中国画的主要题材。与西方绘画相比，传统的中国人物画在造型方面似乎不是很完美。这主要是中、西方画家对人体造型的理解和把握有所不同而导致的。西方画家为了刻画人物形象，除大量对人体进行写生素描外，有的画家还亲自对人体进行解剖，以求造型准确严谨。中国古代画家由于受封建礼教的束缚，只注重人物外貌的感受和追求“神”的表现。先不说画家们是否对人体进行解剖研究，甚至对人体写生（尤其是对女性裸体描绘）都将被视为“有伤大雅”，故中国古代人物画在造型动态方面存在不足之处。欣赏中国画的人物画要在“传神”方面多下工夫。所谓“传神”是指画家在作画过程中能生动、逼真地刻划出人或物的神情。“传神”一说法最早见于中国古代南朝宋刘义庆所著《世说新语》有关“巧艺”的论述：“顾长康（恺之）画人，或数年不点目睛。人问其故，顾曰：‘四体妍蚩（美丑），本无关于妙处，传神写照，正在阿堵（六朝和唐时的常用语，谓“这个”之意）中’”。
　　 欣赏中国人物画必须对线描技法有所了解。早在南宋期间画家梁楷用“减笔”画法描绘了《李白行吟图》。此画运笔简约，将李白月下吟诗的神态刻画的微妙微肖。他的这种“减笔”画法应该说是中国写意人物画的开端。传统线描有“十八描”之技法，尽管变化较多，但人们在绘画中最常用的也只是“兰叶描”、“游丝描”和“铁线描”几种技法。“兰叶描”为唐代著名画家吴道子所创。他的人物线描飘逸流畅，其风格被人称为“吴带当风”。我国当代著名画家刘继卣、王叔晖、贺友直、钱笑呆等人都是线描高手，他们所绘的连环画为中国现代美术史描绘了璀灿的一页。
　　 明清以后，随着西方科学技术和文化艺术的引进，我国一些画家借鉴西方画家的手法对人物画进行了改进。特别是在“五四”以后受西方绘画的影响，画家徐悲鸿和蒋兆和将西方人体绘画技法尝试运用到中国画创作中并取得了前所未有的突破，尤其是蒋先生创作的《流民图》不仅在主题思想上具有一定的现实意义，而且为中国人物画创新开了一代先河。
　　
　　 三、中国画是一门综合性艺术
　　 中国画是一门综合性艺术。传统的中国画创作要求作者具备“诗、书、画、印”四种才能，而具备这四种才能才是画家的学识和画品的标准。诗与画的结合可谓是诗情画意的珠联璧合，也是画家“画外功”的高度凝结。
　　 最初将诗与画结合的是唐代王维，苏东坡对其推崇道：“味摩诘之诗，诗中有画，观摩诘之画，画中有诗。”王维以清新、空灵、自然和脱俗的风格创造出了一种“诗中有画，画中有诗”甚至“诗中有禅”的意境，在中国古代诗坛乃至画坛开一代先河并成为了诗与画结合的宗师。
　　 王维创作的水墨山水画注重气韵表现，而他的山水诗则意境深远，动中有静，富于乐感。如：“空山新雨后，天气晚来秋。明月松间照，清泉石上流。竹喧归浣女，莲动下渔舟。随意春芳歇，王孙自可留。”（《山居秋螟》）这首诗将自然景色与人喧哗音和流水声巧妙结合一起，营造了既静谧清幽又欢快跳跃的画面，令人神往和回味无穷。王维的诗与画中充满了“禅”意。读他的诗，如临清寂空幻之境界。“空山不见人，但闻人语响。返景入深林，复照青苔上。”(《鹿柴》)“人闲桂花落，夜静春山空。月出惊山鸟，时鸣春涧中。”(《鸟鸣涧》)这些诗既体现了王维个人的佛性感应，也体现了他自身的禅学素养。
　　 中国绘画讲究“书画同源”，因此书法与绘画的联系十分密切。书法的刚柔、顿挫、浑厚、苍劲等特点恰恰也是中国绘画笔法中不可缺少的要素。欣赏中国画绝不可忽视书法艺术。一位成功的国画家不一定就是书法造诣高的书法家，但没有扎实的书法功底却很难创作出优秀的国画作品。
　　 “扬州八怪”之一的郑燮（号板桥）是一位集“诗、书、画”三绝的著名书画家和文学家，擅长画竹、兰、菊、石。他的书法别具一格，自称“六分半书”，下笔大小不一，歪斜不整，有“乱石铺街、浪里插篙”之势。他将书法草、隶、篆、楷四种书体融入了画兰、竹笔法之中，画竹气韵生动，形神兼备；画兰以重墨草书之笔尽显野逸天性；画石以枯笔勾石突现正气傲骨。他在《风竹图》一幅画上题诗道：“衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声，些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情。”他画竹和题诗抒发了自己从政为民的志向，其高风亮节极为可贵。
　　 清末民初著名画家吴昌硕三十岁后才学画，擅长写意花卉，以篆书写梅、兰；以狂草绘葡萄，绘画布局构图取自书、印之章法，表现出恣肆挥就的艺术效果，具有“金石味”特色。他自己曾说：我平生得力之处在于能以作书之法作画。也正是他多年对书法和篆刻的刻苦钻研，才能在中国写意画上卓有建树。
　　 书法与绘画的结合是中国画独特的艺术形式，其特征又多半体现在画面题款上。中国画的画面题款也可题写其它文字，如画论和杂感等，既可以抒发书画家个人情怀也能起到弥补画面空白、调整重心和平衡构图的作用。题款字体也有一定的要求，写意画较适合大篆和行草；工笔画较符合楷书和隶书。画面题款的格式以及纪年纪时的落款也都有讲究，读者对此有兴趣可参阅其它有关书籍。
　　 中国写意画以水墨为主，但在画面上盖有一、二枚红印后即能起到活跃格调和支配重心之作用。中国画的印章属于篆刻艺术。篆刻极注重章法和刀法，有其深厚的美学内涵与较高的书画欣赏价值。欣赏印章要清楚印章的分类，一类是“随款印”，即作者的姓名、别号、出生地和年龄等。另一类是“布局印”，也叫“闲章”。这类印章多为吉语、书斋、画室、诗语、十二生肖等。与书法作品相比，中国画面上用的印章较少但极有讲究，印章内容、形式和风格都须与画面风格统一协调，稍有不慎就会影响画面整体的艺术效果。